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전시명 반성 反省 Self-reflection

참여작가유영호 YOO YOUNGHO 전시기간2013.08.22 ~ 2013.09.29

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반성

反省

Self-reflection


2013. 8. 22 Thu - 9. 29 Sun


유영호 YOO YOUNGHO




 

 
2013년 무더운 여름의 끝자락에 갤러리 로얄이 유영호 작가의 개인전을 개최한다. 작가는 이번 전시를 위해 새롭게 제작한 작품 3점을 처음으로 공개한다. 그는 사회와 예술의 관계에 관심을 가지고 다양한 개념작업들을 선보였으며, 주로 사회와 개인의 상호행위에 중점을 둔 공공미술에도 많은 활동을 벌이고 있다. 대중적으로는 6미터 크기의 거대한「인사하는 사람 Greeting Man」이 잘 알려져 있으며, 작년 우루과이 몬테비데오에 이어서 올해는 양구 DMZ내에 설치를 추진하고 있다. 작가는 매번 전시마다 새로운 형태의 작업을 선보이기 때문에 언뜻 하나의 대표적 이미지로 떠오르지 않을 수도 있지만, 그의 작업은 언제나 소통과 상호작용에 기반을 두고 있다.「인사하는 사람」에서 관객들은 단순한 후원의 차원을 벗어나 적극적인 참여자로서 프로젝트의 완성을 돕게 되는데, 이를 통해 공공조각이 단순히 환경 조형물의 장식적 기능을 뛰어넘어, 관객들이 수요자이면서 참여자가 되는 대안적 공공미술의 방식을 제안한다.
 




 
그의 이번 전시는 '반성'이라는 다소 무거운 의미의 주제로 추상조각을 다루고 있는데, 기하학적 추상조각은 주제뿐 아니라 소재에서도 무거움을 더하고 있다. 모더니즘의 미술사적 맥락을 그대로 가져와 큰 공간 안에 펼쳐놓는 그의 작업은 형태가 가진 조형적 의미보다는 시각적 장치로서의 역할에 주목할 만 하다. 그가 전시 전면에 제시하는 키워드는 이번 작품들을 읽어내는 단초가 된다. 영화『인셉션』에서 꿈속의 꿈으로 의식의 깊은 심연으로 파고들어가듯이 유영호의 작품은 해석의 깊이에 따라 다양한 메시지가 드러나며 그것은 정해진 결말이 아니라 열린 결말을 지향한다. 그에게 작품은 언제나 열려있으며, 그것을 해석하고 받아들이는 다양한 관객들의 의견들을 포용한다. 이번 전시는 대상에 따라 다소 파격적이거나 진부하게 다가올 수도 있으나, 이는 동시에 다양한 관람객이 모여 새로운 담론을 생산해 내는 하나의 장이 될 것이다. ■ 갤러리 로얄









 
지금을 반성하는 질문들 

현대미술의 기반이 되고 있는 모더니즘은 예술뿐만 아니라 우리 삶을 전반적으로 지배하고 있는 미적 이데올로기이다. 모더니즘은 애초에 정치적이고 사회적인 아방가르드로서 등장했지만, 이 또한 권력적인 심미안이 된 지금,도처에는 복제된 형식미가 가득 차 있다. 미술관의 유물이자 전형적인 아카데미적 성향을 대표하는 추상미술의 경우, 시작점에서 제시한 순수한 조형미로서의 형식은 미술뿐만 아니라 퍼블릭아트의 영역에서도 계속적으로 반복돼 오고 있다. 유영호의 작가로서의 입지는 개념적 화두를 생산하는 개념미술과 사회와의 상호적 교환 행위에 주목한 공공미술 사이에 걸쳐져 있다. 이런 그에게 있어 이번 개인전에서 보여주는 추상조각들의 미학적 의미를 반추하는 것은 아무런 의미가 없어 보인다. 그렇다면 그는 왜 이 시점에서 추상조각의 형식을 들고 나온 것일까? 필자는 그가 이번 작품들이 추상미술의 형식을 단순히 재현하는 것이 아니라, 이를 통해 무비판적으로 수용된 미술사관이나 개념, 이데올로기의 형식에 지배된 현시대에 질문을 던지고 있다는 생각을 한다. 


작가의 이번 전시는「반성」이라는 다소 무거운, 의미심장한 주제로 추상조각들을 다루고 있다. 기하학적인 추상 조각들은 전시 주제와 더불어 소재적으로도 이 무거움을 더한다. 추상조각들이 함의하는 모더니즘이라는 미술사적 맥락을 그가 취한 것은 지금 이 시대의 조형의식에 대한 비평적 사고를 바탕으로 한다. 그간 작품의 형식과 스타일에 개의치 않고 개념적 사고를 바탕으로 한 다양한 설치 작업과 프로젝트를 선보였던 그라, 본 전시에서 등장하는 기하학적 추상 조각들은 그 조형적 의미보다는 시각적 장치로서의 역할에 주목해야 한다. 메인 전시장에서의 추상 조각들은 선, 면, 입방체를 활용한 구조들이 패턴화된 것으로, 재료는 스테인리스, 나무와 같은 전형적 재료뿐만 아니라 고급예술과는 거리가 있는 골판지, 군복 등을 대안적 혹은 암시적 기호로서 사용하고 있다. 이 의미를 알 수 없는 막연한 추상조각들은 배후의 아이디어를 대변하는 장치들이다.

 


 

 

추상조각들의 배치를 전체적으로 조망해본다면, 전시공간의 양쪽에서 서로 마주보고 있는 대칭의 구조가 발견된다. 여기서 우리는 무엇보다도 작품 배치 방식에 있어서의 대칭의 형식에 의심을 품지 않을 수 없다. 작품 배치는 서로를 거울로 비추듯 정확히 같은 위치에서, 같은 형상이 반복적으로 등장하는 대칭이자 평행한 구조를 지닌다. 그리고 이 거울 효과는 구상조각으로 표현된 두 사람을 통해 배가된다. 그렇다면 추상 조각들의 배열 사이로, 그는 왜 구상의 인물을 개입시킨 것일까? 거울을 들여다보는 듯 서로 마주한 인물 조각들은 전시의 전체적인 내용을 대변하고 있는 상징적 기호라 생각된다. 작가가 의도한 '대칼코마니같이 서로가 찍힌 것처럼 복제'된 공간 은 두 인물의 배치를 통해 서로 대척하고 있는 경계적 상황을 극대화 해 보이나, 다른 한편으로는 그가 말하는 '반성'의 의미를 짐작하게 한다. 그것은 대칭 혹은 대립처럼 보이는 이 상황이 사실은 거울을 보듯 자신을 바라보는 자기 반영적 구조로부터 비롯한다. 결국 반성이란 스스로를 반추하는 것이 아니던가?
 



 

작가의 의도된 배치 방식은 다른 공간에서의 작품들과 스토리 라인을 함께 한다. 추상조각들이 구성하고 있는 대칭의 공간은 지하 전시공간에 설치된 조명 작품을 통해 대립이라는 다소 적대적인 개념과도 맞물린다. 각기 빨강, 파랑의 빛을 바닥으로 비추고 있는 조명은 이데올로기적 흑백 논리로 인해 서로 교차될 수 없는 절대적 위치를 암시해 보인다. 이 공간과 상대적으로 로비 공간에 설치된 디스코볼의 경우 그 키치스러움이 화려하게 시각을 사로잡지만, 이 또한 일상적 기능에 앞서 원, 삼각, 사각의 기하학적인 추상의 질서를 바탕으로 추상조각화 된 것이다. RGB 컬러인 빨강, 초록, 파랑의 조명은 디스코볼의 움직임에 의해 서로의 꼴과 빛이 전시장 벽으로 반사되며 섞이게 되지만, 결론적으로는 백색인 추상적 성질로 복귀하고 만다. 세 공간을 통해 본 전체적인 전시의 구성은 크게 대칭-대립-혼재의 공간으로 스토리가 전개된다.


 



 

 

작가는 이러한 구조적 특질 뒤에 여러 개의 컨텍스트를 배경으로 두고 의도된 아카데미적 형식을 추상적 구조로 구현하고 있다. 여기서 기하학적 추상 조각의 형태적 상투성은 과장된 제스처로 더해졌으며, 이를 배치한 대칭, 대립, 혼재와 같은 공간 구성을 통해 역설적으로 예술 그 배후의 이념과 사회 정치적 이데올로기의 추상성을 강조한다. 하나의 의미로 읽어 내기엔 복잡한 시각적 장치들을 복선으로 사용하는 방식은, 작가가 의도적으로 작품의 스타일이나 공간의 디자인적 요소를 배제하고, 미적인 의미부여를 방해하고자 했던 기존의 작품들과 맥락을 같이 한다. 대칭의 공간은 2005년 아르코 미술관에서 선보인『Infinity Corporation』에서도 시도된 바 있다. 대칭의 구조로 디자인된 텅 빈 샵의 공간은 상품가치가'0'인 공간의 허무와 공허를 보여주는 동시에 비어있음의 무한대적 가능성을 암시하기도 한다. 지하층의 빨강, 파랑의 조명 설치 작업은 2005년 DMZ 전시에서 큰 스케일로 선보인 적이 있는 작업으로, 우리가 처한 정전의 상황을 배경으로 하고 있다. 이러한 정치적인 패러독스는 이번 작품에 영향을 준 배경 중 하나로, 정전의 형태와 더불어 우리 사회, 정치의 한 면이기도 하다. 남과 북, 여당과 야당, 진보와 보수 등 이 대립상태는 그 내용과 의미의 차이보다는 형식적 측면에서 절대성을 행사한다. 이러한 정치적 패러독스는 작품이 보여주는 의미없는 형식적 추상성과 대칭, 대립, 혼재된 전시 공간의 구성과 별다르지 않다. 서로 마주보면서 대립하며 섞이더라도 별 의미는 없는 상황인 것이다.

 


 

 

이렇듯 전시에 대한 배경은 비단 미술의 영역에만 국한되지 않는다. 이데올로기의 대립, 남북한의 정치상황은 대립이라는 형식의 추상성을 가장 극적으로 드러내는 지점이다. 본 전시의 형식적 특징에 대해 '형식과 구조는 의미보다는 형식과 구조 그 자체를 위해 존립한다.'는 작가의 말처럼 그 의미는 허약하고, 공허하다. 이는 단순히 추상의 형태를 지키기 위한 요소로서 공허의 형태를 지닌다. 물론 추상조각의 시작에서는 기성 미술에 대한 반성과 정치성이 있었다. 이러한 맥락은 이후 사라지고 순전히 형식만이 남았지만 추상성은 여전히 이 사회에 유효한 모습이다. 의미가 비어있는 추상성, 말 그대로 추상인 채로 남은 것이다.


 


 

작가는 이 전시에 대해 '이 시점에서 근원적인 얘기를 하고자 한다. 예술가로서 내 작업에 대한 반성뿐만 아니라, 사회적 역할, 미술, 정치적 의식 등 현재 우리사회의 시대상, 그리고 무엇보다도 한 인간으로서 스스로의 한계에 머물고 있는 내자신의 사고에 대해 반성해보자 한다.'고 언급하며, 추상적 조형의 형태와 형식주의의 구조를 빌려 우리의 사고체계와 현실적 상황의 현주소를 살피고 있다. 그는 반성이란 단어를 제시함으로써 서로에게 생성된 가치에 대한 대립적 상황과 그 내용의 공허함, 이로부터 끊임없이 반복되는 형식들이 부여하는 허상과 같은 가치들을 되짚고자 하는 것이다. 다소 수수께끼 같은 형식과 의미 사이에서, 작가는 몇 가지 전시의 키워드를 제공하고 있으나, 이를 접근하고 해석하는 방식은 관객의 몫으로 남겨두고 있다. 전시에 대한 관객들의 반영, 대칭, 대립 등 여러 상호적 관계로부터, 그 과정은 또 다른 반성을 공모해낼 것이다. ■ 심소미

 



 

Self-reflection and Questions of Today

Modernism, the foundation of contemporary art, is an aesthetic ideology that doesn't only dominate the field of art but also our life in general. Whereas Modernism made its first entry to the world as a political and social avant-garde movement, today, it has lost its initial spirit and imposes its aesthetic form that is duplicated everywhere. As for Abstract Art, a relic of museums and representative for a classic and academic tendency, its pure form has been constantly repeated in both fine art and public art.

As an artist, the foundation of Youngho Yoo lies on the field of conceptual art producing thoughtful discourses and that of public art focusing on the act of mutual exchanges between individuals. Known for such past artworks, it seems rather insignificant to reflect upon the aesthetic meaning of his abstract sculptures that he presents for this solo exhibition. Then, for what reason did he take the form of abstract sculpture at this moment of his career? I believe that he borrowed the format of Abstract Art in order to question today's situation dominated byuncritically accepted ideologies that reside in the field of fine art.

Youngho Yoo's solo exhibition features abstract sculptures under arather heavy and significant theme, 'Self-reflection'. The material used in his geometrical sculptures does also add up to the general feeling of heaviness. His way of taking a context of history of art such as Modernism, implied by abstract sculpture, into his own art reveals his critical vision on today's paradigm of art. Indifferent to certain styles or forms of art, he has been unfolding various installation works and projects based on his unique thoughts. Therefore, you have to consider his geometrical shapes as visual devices but not as visual meanings. The sculptures shown in the main space of the gallery are the patterned structures of lines, surfaces and cubes. Their materials vary from classical ones such as stainless steel and wood to alternative and allusive symbols such as cardboards or military uniforms. These abstract sculptures, of which it is hard to catch the meaning, operate as devices that speak for the artist's behind-the-scenes ideas.

As seen from the two opposite sides of the walls facing each other, asymmetrical composition can be found in the display of abstract sculptures in the gallery space arousing a certain suspicion on its reason. Exactly from the same opposite spots, like a mirror reflecting each other, the same shapes are repetitively displayed in a both symmetrical and parallel way. This mirror effect is enhanced by two human figure sculptures that are introduced among the abstract sculptures. These two human figure sculptures facing each other like mirror reflections can be considered as symbolic signs that stand for the general concept of the exhibition. 'The space duplicating itself like a decalcomania', intended by the artist, seems to maximize its opposing position through these two human figure sculptures. On the other hand, it also makes you think of his theme, 'self-reflection'. This opposing or symmetricalcomposition is actually derived from thestructure of self-reflection itself.

The artist's voluntarily intended way of creating such situations is also shown in the hostile concept of the light installation work presented in the basement. The red and blue light projections on the floor seem to stand for the absolute independent positions that can't be intertwined like the black and white ideology. The disco ball installed in the lobby area, catching the eye with its kitsch and spectacular characteristics, generates actually a result of abstraction created on the basic composition of geometrical shapes such as circles, triangles and squares. Projected on the rotating disco ball, the red, green and blue RGB lights reflect and mix patterns on the wall, creating after all white light. Through these three installations, the space of opposition, symmetry and heterogeneity is created in the exhibition.

Paradoxically, Youngho Yoo develops the academic style of abstract structures in order to involve social contexts into his art work. His exaggerated gesture is translated into the stereotypical forms of geometrical abstract sculptures while the uncertainty of established art concepts and the abstractness of socio-political ideology are expressed in the space of symmetry, opposition and heterogeneity. In his previous works, this way of using complex visual devices as an under plot has been also used. He has deliberately excluded aestheticstyles and design elements, and attempted to avoid any aesthetic analysis. The symmetrical composition can be also found in 'Infinity Corporation', the installation piece shown at the Arko museum of art in 2005. The empty shop designed in a symmetrical shape implies the infinite potentiality of emptiness while expressing hollowness of zero commercial value of the shop. The red and blue light installation shown in the basement has been previously exhibited in a bigger scale at the DMZ exhibition in 2005. This work lies on the context of the armistice in Korea. Such political situations work as one of the main elements that form his new body of works reflecting different aspects of our society. The opposing positions between the south and the north, the ruling party and the opposing parties, and the progressive and the conservative exerts authority through their absolute formats rather than with their different values of thoughts. This political paradox structures the exhibition where the meaningless abstract art works are displayed in symmetrical, opposing and heterogeneous ways. The political paradox is derived from its meaningless situation although such different values of thoughts oppose to each other. 

Youngho Yoo's exhibition doesn't only remain in the field of art but it also extends to socio-political issues. The abstractness is depicted in the most extreme way in the opposition between ideologies and the political situation between the north and the south.As the artist explains, 'the format and the structure of the exhibition exist only for themselves but not for their meanings, 'the meanings are meant to be weak and empty. The emptiness is intended in order to support the format of abstraction. Although there was certainly a self-critical and political background in the foundation of abstract sculpture movement in the beginning, today, there only remains its format without the initial context. The abstractness is only valid for its meaningless and empty characteristics.

The artist attempts to discuss about the underlying theme of the world. 'I would like to examine my work as an artist as well as today's portrait of our society including its social role, political consciousness and the field of art. And above all, I would like to reflect upon my way of thinking confined in the self-created limits as a human being', said the artist. Borrowing the format and the structure of Abstract Art, he examines our paradigm of thinking and diagnoses the present condition. He provides an occasion for self-reflection in order to revisit the values lost by the meaningless situation between opposing positions and their endlessly repeated formats.

Suggesting just a few of clues, he leaves the interpretation of his works open to the visitors with his enigmatic display. The visitors will experience themselves the situation of opposition, reflection and symmetry in the exhibition and this process will offer another occasion for self-reflection to the visitors. ■ SIMSOMI

 

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